hyperemotional de Asha é um single que junta conceito e emocional, com uma estrutura narrativa que causa embate entre o sintético e o visceral. A tentativa de mecanizar a dor para conseguir sobreviver a ela é bem traduzida nas linhas “only a synthetic heart could bear” e “coded and confessional” presentes no final do verso 1 e no refrão. O refrão, aliás é um dos pontos altos da música, traz força e foge do óbvio, a metáfora “plastic melting in the sun” funciona como o centro da faixa e a repetição e variação de "hyper irrational / hyper delusional” reforçam o estado obsessivo que a artista propõe na música. O clímax é curto mas bem pensado e colocado no local certo, e algo curioso é que a faixa não explode, ela é linear e o seu clímax se conecta com o spoken final e fecha a canção de forma íntima e poética, o visual do trabalho se conecta com a proposta lírica e foi bem desenvolvido e executado. No geral, o novo lançamento de Asha é maduro, consistente e artístico. É o tipo de single que a promoção passa mas ele permanece na memória e no imaginário do público.

Em "hyperemotional", Asha se comprova de vez como uma das maiores compositoras da indústria com uma música que não só renova seu repertório musical, mesmo o gênero sendo o que ela deu ponta pé em sua carreira lá no começo, mas também se mostra o quanto a cantora é "fresh" e soa atual mesmo sendo uma veterana. A letra muito bem escrita e estruturada nos faz refletir que a felicidade é um estado de espírito e que o caminho até ela será de muitos empasses, como reviver várias vezes alguns traumas e sentimentos agridoces. O ouvinte se sente conectado a cantora que não tem medo de expor seus bloqueios e nem se livrar deles, tornando-a humana, e isso é otimo, pois o público percebe que não está sozinho e que até grandes estrelas são vulneráveis. Esse sem dúvidas é o melhor single de Asha.

Asha retorna com “Hypermotional”. O single de retorno, que se insere nos gêneros Trip-Hop e experimental, apresentando uma nova estética sonora, nos convida a mergulhar pelas dores da jamaicana, dores essas que não desaparecem, elas sempre retornam. Asha, em seu primeiro verso, nos entrega o colapso como ponto de partida da sua narrativa. Utilizando metáforas emocionais e também metáforas futurísticas, ela canta sobre como vive em um estado de conserto improvisado. É uma abertura de faixa interessante, distanciando sua lírica das líricas que tivemos o prazer de presenciar no Nemo, seu último álbum de estúdio. O refrão é poderoso, traduzindo o conceito do single com clareza emocional. Asha aqui é visceral, com uma lírica que causa desconforto, mas também consegue emocionar. Ela utiliza metáforas certeiras que traduzem todo seu sentimento de não conseguir descarregar essa carga emocional, onde tudo permanece ativo, bloqueando-a. Um exemplo é a comparação com presas em uma arma, onde ela expõe que não há disparos, mas sim um sentimento de ameaça constante. Em seu final, o refrão tem a repetição do nome do single. Isso pode parecer repetitivo, mas é inevitável: Asha grita a sua condição. O clímax da canção deixa de ser tortamente íntimo para também cantar sobre o exterior, trazendo a canção para o campo relacional. A lírica aqui quebra, de certa forma, a estética futurística, humanizando a dor humana. Esse ponto adiciona grande força ao que Asha entoa e nos prepara para a ponte do single. A compositora consagrada, em sua ponte, canta sobre o momento em que sentir demais começa a desgastar a capacidade de se conectar. É um grande momento na construção de toda a narrativa. Finalizando seu single de retorno, um dos grandes nomes da Reunification Media decide deixar uma mensagem falada, entregando o ponto mais confessional da canção. Asha abandona as metáforas e abre caminho para assumir sua fragilidade de forma clara. Ela não revela que não busca se curar, mas sim aprender a conviver com o que não desaparece. Em uma longa parceria, Outtathisworld novamente assina a produção gráfica de um trabalho da Asha. A arte conversa diretamente com a narrativa lírica. O visual da canção é polido e muito bem pensado, a cor escolhida é agressiva, violenta, como uma memória que não cicatriza, já a tipografia dá a ideia de algo instável, a palavra sofre visualmente, ilustrando o estado emocional. A narrativa gráfica pode parecer simplória, mas nos conta exatamente o que é preciso. É uma arte bonita e, acima de tudo, bem pensada. “Hypermotional” é arriscada, uma canção que se diferencia dos últimos lançamentos da artista em lírica e construção estrutural. O eu-lírico se mostra honesto ao não apontar uma resolução fácil para o tema central, ele simplesmente o aceita como parte da sua identidade. Asha nos entrega uma faixa que exige uma escuta sensível e que, de forma ousada, transforma sua vulnerabilidade em expressão artística.