Kiss Me Until I Bleed marca um ponto de virada claro na carreira de Violet Turner. Dois anos após ultraviolet, a artista retorna mais consciente de si e, principalmente, mais disposta a expor suas fissuras sem filtros ou concessões. Se o álbum de estreia apresentava uma compositora carismática, ainda oscilando entre impulsos juvenis e lampejos de maturidade, aqui Violet soa muito mais segura do que quer dizer e de como dizer. O disco soa como alguém que parou de tentar parecer forte e decidiu ser honesta, mesmo quando isso custa conforto. Há uma maturidade lírica evidente, não porque ela abandona sua essência, mas porque aprende a encará-la com menos fantasia e mais lucidez. Desde a abertura com Intro (The Ocean at the End of the Lane), fica claro que o álbum será conduzido por um mergulho emocional contínuo, funcionando quase como um convite silencioso ao ouvinte e preparando o terreno para um disco que se constrói em camadas de dor, desejo, dependência e autoconhecimento. Perfect Days mantém essa linha ao retratar relações desgastadas com sensibilidade agridoce, ainda que sua repetição possa diluir parte do impacto inicial, enquanto All My Love Songs Will Burn surge como um dos grandes momentos do álbum, direta e intensa, com Violet equilibrando vulnerabilidade e raiva em versos crus e necessários, muito mais bem resolvidos do que em qualquer momento de ultraviolet. Highway 61 se destaca como uma das faixas mais ambiciosas e bem-sucedidas do disco, mostrando uma artista capaz de costurar referências culturais e narrativa pessoal com controle e segurança, algo que antes nem sempre se sustentava até o fim. Paris, Texas, ao lado de Danny Wolf, traz leveza e tensão performática, funcionando como uma porta de entrada acessível para o universo do álbum, surpreendendo pelo tom carnal e diferente de tudo que Turner já havia nos apresentado, enquanto Copycat Killer mantém o clima ao explorar obsessão e identidade com sarcasmo e desconforto de forma consciente. O álbum cresce ainda mais, quando entra em seu bloco emocional mais delicado, e What if our Romance Played on the Radio? transforma o amor em espetáculo público, expondo com precisão incômoda a necessidade de validação em relações tóxicas. Juliet se impõe como um dos grandes destaques do projeto, sendo uma releitura amarga e melancólica da tragédia romântica, com um refrão forte e visceral que amplia o discurso do álbum ao transformar o romantismo em algo faminto, belo, destrutivo e canibalístico. Red Velvet Wine entrega Violet em seu estado mais nu, cantando dor e vício sem firulas, talvez sendo a música mais radio-friendly do projeto, enquanto The Mirror of Narcissus se destaca pela poesia afiada ao retratar o egoísmo como algo sedutor e corrosivo ao mesmo tempo. Na reta final, Die, My Love funciona como uma transição necessária, preparando o terreno para Genesis, talvez o coração emocional do álbum, onde Violet confronta feridas antigas e questiona a romantização da figura materna em uma de suas performances mais sinceras, antes de Requiem for Us encerrar o disco com peso e dignidade, aceitando o fim não como redenção, mas como constatação. Visualmente, Kiss Me Until I Bleed também representa uma evolução clara em relação a ultraviolet, apostando em uma estética teatral e melodramática que dialoga com a carga emocional do álbum e eleva o projeto como um todo, corrigindo a rigidez e a falta de versatilidade do debut. No fim, Kiss Me Until I Bleed é o trabalho mais consistente e bem resolvido de Violet Turner até agora, um álbum coeso, liricamente poético, emocionalmente exigente e artisticamente seguro, que entende suas próprias fragilidades e as transforma em força e reflexão, não apenas um disco sobre amar demais, mas sobre compreender o custo disso, se firmando como um dos lançamentos mais fortes do ano e a confirmação definitiva do amadurecimento de Violet como compositora e artista.

Quase dois anos após o lançamento do "ultraviolet", Violet Turner retorna com o lançamento de "Kiss Me Until I Bleed" com uma evolução lírica invejável do seu primeiro álbum, mostrando uma versão não só mais vulnerável de si mesma, mas também mais adulta e disposta a se desmanchar à frente do ouvinte. O álbum é composto por camadas sensíveis que mostram toda a destreza lírica de Turner acerca dos seus sentimentos mais complexos durante os anos, e toda a complexidade imposta com facilidade no "Kiss Me Untill I Bleed" é o que põe a artista em um patamar acima dos artistas da sua geração. O álbum inicia com de forma poética com a introdução "Intro (The Ocean at the End of the Lane)" dando leves goles da profundidade lírica que o álbum está prestes a abordar. "Perfect Days" aborda de forma lúcida e madura, mas ainda mesclando com uma leve personalidade adolescente da essência de Turner. A música é um perfeito exemplo do seu aperfeiçoamento lírico durante os anos, conseguindo colocar a emoção de uma desilusão de forma crua. "All My Love Songs Will Burn" se destaca como uma das melhores faixas de Turner. A música é intensa, e de arrancar o fôlego. A artista mostra uma agressividade em seus versos -- ao mesmo tempo que dilacera seu coração em seus versos mostrando sua forma mais vulnerável como em "Deixe-me dizer que te amo em doces poesias, embora meus pais nunca tenham me ensinado a amar.", deixando a canção grandiosa a cada verso. Mas é em "Highway 61" que a artista sai completamente da sua caixinha confortável e aborda uma narrativa totalmente diferente. Interpolando referências da famosa "rodovia 61" e a "maldição dos 27", Violet entrega uma composição rara; visto que alguns artistas acabam dando um passo maior que a perna e se perdem em suas próprias referências exageradas, o que não é o caso de Turner aqui, ela definitivamente sabe o que está fazendo. "Paris, Texas" foi a grande responsável para a virada de chave na aparência que a artista tinha com o público, e sua lírica é bastante cativante e empolgante, sendo uma boa opção para introduzir todo o álbum para o público; embora os versos de Wolf fiquem um pouco "comuns", podendo serem mais intensos do que foi apresentado. "Copycat Killer" mostra uma versão mais sarcástica e perigosa de Violet, e é um grande acerto dentro do álbum. Embora uma narrativa totalmente comum e clichê, o seguimento que a artista decidiu impor dentro da música é o que torna a música genialmente assustadora. "What if our Romance Played on the Radio?" gira um pouco a chave em relação as músicas anteriores e aborda um tema mais delicado, mas de forma cautelosa e precisa. O assunto é crucial para se conectar com o seu público alvo, e torna a música especial pela maestria lírica da cantora. Em um relacionamento tóxico, é questionável se o seu parceiro seria o mesmo se todo mundo fosse capaz de ouvir o que ele é de verdade, e em versos impiedosos, Turner mostra isso ao mundo. "Juliet" é um pouco morna em relação das anteriores liricamente, mas não perde o brilho próprio. A canção utiliza o clássico de Shakespeare de forma melancólica, e com os versos de Stelar, a canção se mantém agradável, mas não surpreende tanto quanto poderia; e um dos pontos altos da canção é o refrão. Já em "Red Velvet Wine", Violet aborda a dor da forma mais nua e crua, sem medo de podar diante o ouvinte e se entrega de corpo e alma aos seus sentimentos mais profundos. "The Mirror of Narcissus" se porta como um clássico alfinete à uma criatura narcisista e egocêntrica na vida de Turner, e cumpre o seu papel dentro do projeto. A música é genialmente colocada para falar sobre alguém que ama tanto a si mesmo que acaba se tornando uma ação problemática quando pontua "Você se inclinou tanto que o lago tocou sua boca e bebeu de si mesmo como se fosse vinho", são versos que destacam a capacidade de Turner de entregar poesia. Chegando na reta final do álbum, "Die, My Love" é uma boa adição dentro do álbum e os versos de Alex Fleming são pontuais dentro da canção. "Gênesis" e "Requiem for Us" encerram o álbum de forma majestosa. "Gênesis" é incrivelmente bem elaborada, com um desfecho necessário para o álbum ao mostrar a versão mais vulnerável da cantora dentro do álbum ao desabafar de forma sincera tudo que está dentro da sua garganta durante sua vida em relação a sua mãe. Turner prova que nem sempre devemos romantizar a figura materna -- as vezes ela pode ser a sua ruína desde o momento em que você nasceu. Enquanto "Requiem for Us" é definitivamente um fim para o álbum, e não poderíamos encerra-lo de outra mentira. A música é uma obra prima lírica que mostra que Violet não só se coloca como uma das melhores compositoras da sua geração, mas também como uma artista que evoluiu simbolicamente desde "devil side". Visualmente, a estética do álbum é beneficiada por seu photoshoot teatral e melodramático, fazendo o álbum crescer a um nível sofisticado e elegante. Entretanto, sentimos que a produção visual poderia ser mais sofisticada para acompanhar o ensaio. O álbum poderia ser ainda mais grandioso se fosse mais refinado, e acaba perdendo um pouco do potencial que poderia ter alcançado caso tivesse sido trabalhado de forma mais atenciosa. Se a ideia foi ser mais minimalista e simples, é uma grande pena, pois o álbum carrega uma grande carga emotiva e sentimos a falta de algo que acompanhasse. Em uma forma geral, Violet Turner entregou sua alma de forma mais crua possível no "Kiss Me Untill i Bleed" e é possível que talvez o ouvinte esteja sendo constantemente beijado por Turner enquanto sente a sua alma sangrar levemente, pois é muito fácil se conectar com a sua dor descrita em cada música pela sua capacidade maestral de conduzir suas composições de uma forma que trace memórias em quem ouça. "Kiss Me Untill I Bleed" não só se coloca entre os melhores do ano, mas como um dos fortes candidatos para as premiações futuras caso não durmam em cima da grande evolução e no grande ato que o "Kiss Me Untill I Bleed" oferece para nós.

“Kiss Me Until I Bleed”, segundo álbum de estúdio de Violet Turner, chega com um equilíbrio raro entre rigor técnico e pura emoção, revelando uma compositora que sabe exatamente como transformar dor e desejo em arte. Tudo começa com “Intro (The Ocean at the End of the Lane)”, que define o clima com precisão cirúrgica: é a Violet mais exposta, fazendo um convite irrecusável para o mergulho emocional que dita o ritmo do disco. Logo em seguida, “Perfect Days” bate como aquela memória afetiva já desgastada pelo tempo, traduzindo a fragilidade de relações que sobrevivem mais de lembranças do que da realidade. Quando “All My Love Songs Will Burn” entra, Violet traz um momento de clareza cortante, um discurso direto que rompe a atmosfera densa criada até ali. A força narrativa do álbum brilha de verdade em “Highway 61”. A faixa trata a fuga e a infância com uma contundência que a torna um dos pontos altos da obra. E a energia muda logo depois com “Paris, Texas”: a colaboração com Danny Wolf brinca com a tensão e a fantasia, expandindo o universo sonoro de Violet e reforçando o lado performático do desejo. Já “Copycat Killer” mantém o eixo, explorando obsessão e identidade sem cair no exagero, servindo como a ponte perfeita para o que vem a seguir. Uma das grandes surpresas é “What If Our Romance Played on the Radio”, que amplia a ideia do amor como espetáculo público, recuperando temas lá do início. Mas é em “Juliet”, parceria com Stelar, que o disco entrega uma de suas composições mais impactantes: uma releitura amarga e corrosiva da tragédia romântica. O tom confessional se aprofunda em “Red Velvet Wine”, um retrato íntimo sobre vício, e em “The Mirror of Narcissus”, uma crítica afiada ao autoengano e às aparências. O contraste emocional ganha vida com “Die, My Love”, ao lado de Alex Fleming, que examina a dependência e a ruptura necessária, preparando terreno para o soco no estômago que é “Genesis”. Esta faixa talvez seja o momento mais cuidadoso do álbum, tocando em feridas da infância para explicar a origem dessa fome afetiva. Por fim, “Requiem for Us” amarra tudo com solidez, transformando a história do eu lírico em um epitáfio poderoso. “Kiss Me Until I Bleed” é coeso, direto e intencional. Não há dúvidas de que este trabalho é um testemunho da evolução de Violet Turner. A forma como ela costura metáforas e tensões cria uma experiência imersiva do início ao fim. É um álbum de uma artista que entende seu lugar e escolhe explorá-lo com intensidade, sem medo de abandonar sua zona de conforto.

Em Kiss Me Until I Bleed, segundo álbum da cantora e compositora Violet Turner, acompanhamos a artista mergulhar em um mar de intensidade e emoções cruas. Lançado oficialmente em 30 de outubro de 2025, o projeto reúne colaborações de peso, incluindo Alex Fleming, Danny Wolf e Stelar. O álbum se abre com “Intro (The Ocean at the End of the Lane)”, uma faixa nua, delicada e emocionalmente exposta que estabelece com precisão o tom da obra. O eu lírico demonstra dependência afetiva e uma espécie de endeusamento do outro — um convite eficaz ao universo sensível proposto por Violet. Em seguida, “Perfect Days” oferece um início morno: começa bem, mas se torna repetitiva e cansativa ao longo da primeira audição. Já “All My Love Songs Will Burn” se destaca pela combinação de discurso cru com toques levemente ácidos, apresentando uma faceta diferente dentro do projeto. “Highway 61” e “Paris, Texas (feat. Danny Wolf)” representam dois dos pontos altos do álbum: enquanto a primeira aposta em um tom confessional, a segunda é mais leve e divertida, beneficiada pela participação inspirada de Danny Wolf. Apesar de distintas, ambas complementam bem o percurso do disco. A sequência prossegue com “Copycat Killer”, uma boa faixa que, apesar de competente, não apresenta novidades marcantes. Já “What if our Romance Played on the Radio?” surge como uma surpresa extremamente eficaz, consolidando conceitos já sugeridos nas faixas iniciais. “Juliet”, em parceria com a cantora e compositora Stela, é outra grande adição: uma releitura amarga da narrativa shakespeariana, construída com uma das melhores letras do álbum. Aqui, o eu lírico expõe com precisão a amargura de ter sido enganado e abandonado. Em “Red Velvet Wine”, Violet entrega uma das melhores faixas do projeto. A canção funciona quase como um desabafo direto ao ouvinte, abordando o hábito de despejar emoções na bebida, com delicadeza e certa irreverência. Já “The Mirror of Narcissus” e “Die, My Love”, parceria com Alex Fleming, formam um duo interessante: canções opostas que, de certa forma, se complementam. Contudo, “Die, My Love” acaba enfraquecida por versos longos e cansativos — especialmente por vir logo após uma faixa tão sólida quanto “The Mirror of Narcissus”. Rumo ao encerramento, o álbum apresenta “Genesis”, uma das grandes surpresas da tracklist. Trata-se de uma reflexão sensível sobre a incapacidade de amar sem se despedaçar, revisitando momentos-chave das relações até culminar na morte do eu lírico. Por fim, “Requiem for Us” encerra o disco com força. Mórbida e envolvente, a faixa resgata o talento narrativo de Violet, que aqui atinge seu ápice, evocando elementos de composição típicos do universo country. Um encerramento poderoso. Com Kiss Me Until I Bleed, Violet Turner entrega um excelente passo à frente em sua discografia. O álbum é intenso, emocional e demonstra um notável amadurecimento lírico, ao mesmo tempo que permanece acessível e confortável para a artista. Nota: 85 Melhores faixas: “Highway 61”, “The Mirror of Narcissus”, “Genesis”, “Requiem for Us” Cortaria: “Perfect Days”, “Die, My Love”

Em seu segundo álbum de estúdio, Violet Turner dá um salto artístico notável, trocando o impulso cru do debut por uma abordagem mais meticulosa, quase devastadora. Suas letras, melodramáticas, densas e cirurgicamente impactantes, revelam uma artista em pleno domínio lírico. É uma obra que equilibra vulnerabilidade e controle, beleza e desespero, inserindo Violet no radar como uma das artistas mais sofisticadas e inquietas da atualidade. Logo na faixa de abertura, Turner não apenas nos introduz ao universo emocional do álbum, ela nos arrasta para dentro dele. “Intro (The Ocean at the End of the Lane)” é um monólogo afogado entre o sublime e o autodestrutivo. A letra é brutal em sua honestidade e cinematográfica em sua estrutura: há um oceano, há uma mulher, e há uma promessa de dor que se transforma em desejo. Turner faz da melancolia uma forma de devoção, e da dor, um lembrete de que ainda se está viva. A transição entre o tom contemplativo e a explosão carnal (“Beije-me até eu sangrar”) revela, sem espaço para dúvidas, o porquê do título do álbum. É o ponto em que vulnerabilidade e violência se tocam, e Violet transforma o amor em um experimento físico, quase sacrificial. Em “Perfect Days”, Violet adota um tom mais narrativo, descrevendo um relacionamento marcado por intensidade e desgaste. A letra alterna entre lembranças íntimas e imagens violentas, equilibrando vulnerabilidade e ironia. Quando ela canta “Você costumava me chamar de Katrina”, há tanto afeto quanto rancor, uma metáfora que resume o caos emocional da faixa. Os dias perfeitos do título soam mais como um engano juvenil do que uma promessa cumprida. Turner compõe com frieza e clareza sobre o fascínio do amor destrutivo, sem se vitimizar nem se vangloriar. É uma canção sobre perda, mas também sobre reconhecer o próprio papel no colapso. Em “All My Love Songs Will Burn”, Violet abandona a grandiosidade das duas primeiras faixas e entrega sua composição mais frágil, talvez até desconfortavelmente honesta. A letra gira em torno de uma sensação persistente de vazio, tratada sem glamour e sem autocomiseração. É direta e possivelmente uma das letras mais humanas do álbum. “Highway 61” é outra composição narrativa, seguindo um eu lírico que cresce entre violência doméstica, omissão e religiosidade distorcida. A primeira estrofe contrasta a inocência noturna: estrelas, livros, leite quente, com a presença silenciosa de um “diabo” que simboliza abuso familiar e até sexual. O refrão transforma a estrada em fuga e renascimento, uma liberdade amarga, mas ainda assim liberdade. A segunda parte traz imagens diretas do trauma, incluindo a fantasia de um fim rápido. Na ponte, referências ao blues e ao mito da Rota 61 dão peso histórico à fuga, sugerindo que essa estrada sempre carregou almas partidas. O outro encerra com um fatalismo cru: a ideia de que o dano de infância molda tudo, inclusive a sensação de que não há futuro além da própria autodestruição. Em “Paris, Texas”, faixa colaborativa trabalhada como lead single do álbum, Violet e Danny Wolf constroem um diálogo erótico que mistura cinema noir, fetiche e fantasia de poder sem qualquer sutileza. A letra alterna entre imagens decadentes e um erotismo explícito que funciona mais como performance do que confissão. O eu lírico de Violet aparece entregando-se ao papel de objeto, enquanto Danny assume o controle com ironia e autoconfiança. O refrão, repetido pelos dois, transforma a metáfora da “boneca sexual” num gesto teatral, quase exagerado de propósito. A ponte é o momento mais interessante: Violet cruza referências a Paris, Texas com submissão física, dando à faixa uma camada melancólica em meio ao hedonismo. No geral, é uma música provocativa, estilizada e consciente do próprio exagero, mais estética do que emocional. É uma reflexão sobre a intensidade de querer e ser querido até os limites do corpo. Em “Copycat Killer”, Violet Turner leva o conceito do álbum — a necessidade de ser amado e a impossibilidade de se preencher — ao extremo mais perturbado e teatral. A letra constrói uma narradora que oscila entre confissão e fantasia stalker, explorando desejo como compulsão química e identidade como algo copiável, moldável, quase consumível. Há imagens fortes (“o mapa do meu coração é seu, marcado em vermelho”) e outras que flertam com o grotesco pop (“sentir o gosto do Prozac no seu suor”), criando um híbrido entre obsessão adolescente e erotismo farmacológico. A música funciona como um delírio narrativo: exagerada, autoconsciente, às vezes propositalmente desconfortável e, dentro da lógica do álbum, reforça o retrato de personagens que confundem ser amadas com existir. “What If Our Romance Played on the Radio?” transforma a fantasia romântica em transmissão pública — como se a protagonista precisasse que o mundo inteiro ouvisse seu amor para que ele finalmente existisse. É uma carta aberta mascarada de love song, onde o romantismo vintage (“la vie en rose”, o rádio chiando, a lua como destino) contrasta com a dinâmica explícita de submissão, violência emocional e física. Violet escreve o próprio abuso como se fosse uma performance pop, perguntando o tempo inteiro se a validação externa poderia consertar o que está quebrado por dentro. O resultado é desconfortante, autoexposto, quase desesperado. Dentro do projeto, a música funciona como tese e síntese: amar, para essa narradora, é uma tentativa de preencher o silêncio interno com qualquer som, até mesmo o chiado de um rádio tentando pegar sinal. “Juliet” é a faixa onde Violet transforma a tragédia romântica em ritual de autodevoração. A música, que é uma colaboração com a estrela da música alternativa Stelar, expande o tema central do projeto: amor como fome, ausência e desespero, levando-o ao seu extremo teatral. O dueto funciona como duas versões da mesma ruína: Violet e Stelar encarnam amantes que confundem devoção com sacrifício, e amor como um ato de consumo. A estética católica, a iconografia de Shakespeare e o vocabulário de carne, vísceras e hóstia reforçam que, aqui, amar é se oferecer como corpo santo para alguém que nunca fica. “Me amando até os ossos, me odiando até fazer deles farinha” sintetiza esse processo em que desejo e violência se confundem até que a identidade do eu lírico se torne apenas resto, matéria-prima emocional para o outro. Dentro do álbum, “Juliet” marca o ponto em que o romance degrada para mito trágico: belo, doente, e faminto. “Red Velvet Wine” é o lamento etílico do álbum, onde o amor e o vazio se dissolvem em álcool. O eu lírico busca anestesia para a dor emocional, transformando cada taça em confissão e ritual de autopunição. O vinho vermelho funciona como metáfora dupla: sangue emocional e consolo ilusório, reforçando o tema central do disco. Entre lembranças amargas e porta-retratos riscados, a letra mostra que o desejo por conexão nunca é saciado, apenas intoxicado. É uma faixa introspectiva, melancólica e viscosa, que transforma vício, memória e perda em poesia líquida. “The Mirror of Narcissus” é o momento em que Violet transfere o foco do amor-vazio para o autoengano e a obsessão com a própria imagem. A letra constrói um retrato cruel de Narciso moderno, alguém que confunde reflexo com essência, enquanto o eu lírico assume o papel de corretor moral e destruidor do mito. Cada imagem: o lago, as flores, o ouro de Apolo, reforça a ideia de que beleza sem empatia ou vulnerabilidade é mortal e ilusória. O verso “Afrodite teria se envergonhado de ver o amor transformado em ornamento” funciona como uma condenação direta da superficialidade afetiva de Narciso. Violet aponta que a beleza e o desejo, quando divorciados de empatia ou vulnerabilidade, perdem toda sua sacralidade. É uma linha que reforça o contraste central do álbum: enquanto o eu lírico busca amor genuíno, preenchendo o vazio emocional, Narciso se contenta com reflexos e aparências, tornando-se uma parábola do egoísmo que Violet denuncia poeticamente. “Die, My Love”, funciona como um exorcismo mútuo: Fleming abre com vulnerabilidade corrosiva, tratando o amor como dependência química, enquanto Violet responde com uma fúria cansada, típica de alguém que já atravessou todos os estágios do luto emocional. O refrão, com sua carta declarada (“Morra, meu amor”), não é literal: é a morte simbólica do vínculo que sustentava o vazio. A ponte de Violet, incendiária e catártica, reforça que o eu lírico não quer vingança, quer finalmente existir sem o peso do outro. Dentro do álbum, a faixa é o ponto onde a busca pelo preenchimento vira ruptura inevitável; onde o amor deixa de ser necessidade e passa a ser sepultado para que algo sobreviva. “Genesis” é a faixa que mergulha na origem do vazio afetivo, explorando como a fome de amor começa ainda na infância e molda toda a experiência amorosa subsequente. Violet utiliza a metáfora do “pacto de leite” para retratar a ligação primordial entre dependência e cuidado, sugerindo que a ausência dessa segurança cria feridas que nenhum abraço futuro consegue curar. O refrão — o desejo de se refugiar no colo do outro e “aprender o amor como quem aprende a andar” — reforça a ideia de que o eu lírico busca reconstruir-se a partir do começo, mas se depara com o fracasso inevitável de qualquer amor que toca, que “pulveriza antes de nascer”. A ponte amplifica a introspecção, questionando quando exatamente a confiança e a inocência foram quebradas, transformando a perda do primeiro amor ou cuidado em um eco que reverbera por toda a vida. Dentro do álbum, “Genesis” funciona como a raiz do ciclo emocional que permeia cada faixa: a necessidade de ser amado, a frustração de não encontrar completude, e a solidão que nasce da desconexão entre o desejo de entrega e a realidade da ausência afetiva. “Requiem for Us” é o epílogo emocional do álbum: um funeral do amor, do corpo e da memória. A canção transforma uma vida inteira compartilhada em um lamento pós-morte, onde a narradora revisita o amor não como consolo, mas como desgaste: um relacionamento que sobreviveu às mudanças geográficas, ao tédio da rotina, ao embrutecimento dos anos e, por fim, à morte física. O amor aqui não salva: ele apodrece junto com a casa, com os corpos, com as lembranças. A imagem da árvore plantada no “começo do fim” sintetiza a narrativa, algo que cresce enquanto tudo ao redor decai, uma memória que resiste apenas como fantasma. O refrão martela o destino inevitável: virar terra, virar verme, virar ausência e deixar os filhos sozinhos diante da constatação cruel de que nem o amor mais devoto escapa do esquecimento. No contexto do álbum, “Requiem for Us” funciona como o reconhecimento de que a fome de amor jamais foi saciada; o amor, mesmo quando existiu, não impediu a sensação de vazio. É uma música que aceita o colapso e encerra a obra com uma verdade brutal: no fim, até o amor vira pó, e ainda assim tentamos segurá-lo. Violet Turner explora o vazio emocional, a necessidade desesperada de ser amado e o efeito corrosivo que isso tem sobre o corpo, a mente e a memória. Cada faixa constrói uma narrativa de aproximação e destruição: do romantismo quase infantil de Perfect Days, passando pelo canibalismo metafórico de Juliet, até o reconhecimento final da mortalidade e do esquecimento em Requiem for Us. Violet, ora delicada, ora feroz, caminha por entre metáforas de sangue, vinho e corpos, sempre sublinhando a tensão entre entrega total e autopreservação. Colaborações estratégicas, como em Paris, Texas e Die My Love, acrescentam camadas de diálogo e confrontos de poder, reforçando o tema central: o amor nunca é simples, e a solidão é inseparável dele. A produção da talentosa Outtathisworld, complementa toda a grandiosidade do álbum, mesclando uma bela estética ao conceito geral do disco. A tipografia é cuidadosamente escolhida para replicar o estilo de créditos de filmes antigos e embalagens vintage, fazendo uma clara homenagem ao cinema noir e ao melodrama pulp. Em última análise, “Kiss Me Until I Bleed” não é apenas sobre romance ou desejo; é um estudo sobre como buscamos preencher o vazio com outra pessoa, sabendo que o amor nunca será suficiente, mas ainda assim nos movendo em direção a ele, com feridas abertas e uma intensidade que queima. É um álbum sobre a fome, a perda e a inevitável cicatriz emocional que cada relação deixa: brutal, honesto e inquietantemente belo.

Kiss Me Until I Bleed marca um ponto de virada claro na carreira de Violet Turner. Dois anos após ultraviolet, a artista retorna mais consciente de si e, principalmente, mais disposta a expor suas fissuras sem filtros ou concessões. Se o álbum de estreia apresentava uma compositora carismática, ainda oscilando entre impulsos juvenis e lampejos de maturidade, aqui Violet soa muito mais segura do que quer dizer e de como dizer. O disco soa como alguém que parou de tentar parecer forte e decidiu ser honesta, mesmo quando isso custa conforto. Há uma maturidade lírica evidente, não porque ela abandona sua essência, mas porque aprende a encará-la com menos fantasia e mais lucidez. Desde a abertura com Intro (The Ocean at the End of the Lane), fica claro que o álbum será conduzido por um mergulho emocional contínuo, funcionando quase como um convite silencioso ao ouvinte e preparando o terreno para um disco que se constrói em camadas de dor, desejo, dependência e autoconhecimento. Perfect Days mantém essa linha ao retratar relações desgastadas com sensibilidade agridoce, ainda que sua repetição possa diluir parte do impacto inicial, enquanto All My Love Songs Will Burn surge como um dos grandes momentos do álbum, direta e intensa, com Violet equilibrando vulnerabilidade e raiva em versos crus e necessários, muito mais bem resolvidos do que em qualquer momento de ultraviolet. Highway 61 se destaca como uma das faixas mais ambiciosas e bem-sucedidas do disco, mostrando uma artista capaz de costurar referências culturais e narrativa pessoal com controle e segurança, algo que antes nem sempre se sustentava até o fim. Paris, Texas, ao lado de Danny Wolf, traz leveza e tensão performática, funcionando como uma porta de entrada acessível para o universo do álbum, surpreendendo pelo tom carnal e diferente de tudo que Turner já havia nos apresentado, enquanto Copycat Killer mantém o clima ao explorar obsessão e identidade com sarcasmo e desconforto de forma consciente. O álbum cresce ainda mais, quando entra em seu bloco emocional mais delicado, e What if our Romance Played on the Radio? transforma o amor em espetáculo público, expondo com precisão incômoda a necessidade de validação em relações tóxicas. Juliet se impõe como um dos grandes destaques do projeto, sendo uma releitura amarga e melancólica da tragédia romântica, com um refrão forte e visceral que amplia o discurso do álbum ao transformar o romantismo em algo faminto, belo, destrutivo e canibalístico. Red Velvet Wine entrega Violet em seu estado mais nu, cantando dor e vício sem firulas, talvez sendo a música mais radio-friendly do projeto, enquanto The Mirror of Narcissus se destaca pela poesia afiada ao retratar o egoísmo como algo sedutor e corrosivo ao mesmo tempo. Na reta final, Die, My Love funciona como uma transição necessária, preparando o terreno para Genesis, talvez o coração emocional do álbum, onde Violet confronta feridas antigas e questiona a romantização da figura materna em uma de suas performances mais sinceras, antes de Requiem for Us encerrar o disco com peso e dignidade, aceitando o fim não como redenção, mas como constatação. Visualmente, Kiss Me Until I Bleed também representa uma evolução clara em relação a ultraviolet, apostando em uma estética teatral e melodramática que dialoga com a carga emocional do álbum e eleva o projeto como um todo, corrigindo a rigidez e a falta de versatilidade do debut. No fim, Kiss Me Until I Bleed é o trabalho mais consistente e bem resolvido de Violet Turner até agora, um álbum coeso, liricamente poético, emocionalmente exigente e artisticamente seguro, que entende suas próprias fragilidades e as transforma em força e reflexão, não apenas um disco sobre amar demais, mas sobre compreender o custo disso, se firmando como um dos lançamentos mais fortes do ano e a confirmação definitiva do amadurecimento de Violet como compositora e artista.

Quase dois anos após o lançamento do "ultraviolet", Violet Turner retorna com o lançamento de "Kiss Me Until I Bleed" com uma evolução lírica invejável do seu primeiro álbum, mostrando uma versão não só mais vulnerável de si mesma, mas também mais adulta e disposta a se desmanchar à frente do ouvinte. O álbum é composto por camadas sensíveis que mostram toda a destreza lírica de Turner acerca dos seus sentimentos mais complexos durante os anos, e toda a complexidade imposta com facilidade no "Kiss Me Untill I Bleed" é o que põe a artista em um patamar acima dos artistas da sua geração. O álbum inicia com de forma poética com a introdução "Intro (The Ocean at the End of the Lane)" dando leves goles da profundidade lírica que o álbum está prestes a abordar. "Perfect Days" aborda de forma lúcida e madura, mas ainda mesclando com uma leve personalidade adolescente da essência de Turner. A música é um perfeito exemplo do seu aperfeiçoamento lírico durante os anos, conseguindo colocar a emoção de uma desilusão de forma crua. "All My Love Songs Will Burn" se destaca como uma das melhores faixas de Turner. A música é intensa, e de arrancar o fôlego. A artista mostra uma agressividade em seus versos -- ao mesmo tempo que dilacera seu coração em seus versos mostrando sua forma mais vulnerável como em "Deixe-me dizer que te amo em doces poesias, embora meus pais nunca tenham me ensinado a amar.", deixando a canção grandiosa a cada verso. Mas é em "Highway 61" que a artista sai completamente da sua caixinha confortável e aborda uma narrativa totalmente diferente. Interpolando referências da famosa "rodovia 61" e a "maldição dos 27", Violet entrega uma composição rara; visto que alguns artistas acabam dando um passo maior que a perna e se perdem em suas próprias referências exageradas, o que não é o caso de Turner aqui, ela definitivamente sabe o que está fazendo. "Paris, Texas" foi a grande responsável para a virada de chave na aparência que a artista tinha com o público, e sua lírica é bastante cativante e empolgante, sendo uma boa opção para introduzir todo o álbum para o público; embora os versos de Wolf fiquem um pouco "comuns", podendo serem mais intensos do que foi apresentado. "Copycat Killer" mostra uma versão mais sarcástica e perigosa de Violet, e é um grande acerto dentro do álbum. Embora uma narrativa totalmente comum e clichê, o seguimento que a artista decidiu impor dentro da música é o que torna a música genialmente assustadora. "What if our Romance Played on the Radio?" gira um pouco a chave em relação as músicas anteriores e aborda um tema mais delicado, mas de forma cautelosa e precisa. O assunto é crucial para se conectar com o seu público alvo, e torna a música especial pela maestria lírica da cantora. Em um relacionamento tóxico, é questionável se o seu parceiro seria o mesmo se todo mundo fosse capaz de ouvir o que ele é de verdade, e em versos impiedosos, Turner mostra isso ao mundo. "Juliet" é um pouco morna em relação das anteriores liricamente, mas não perde o brilho próprio. A canção utiliza o clássico de Shakespeare de forma melancólica, e com os versos de Stelar, a canção se mantém agradável, mas não surpreende tanto quanto poderia; e um dos pontos altos da canção é o refrão. Já em "Red Velvet Wine", Violet aborda a dor da forma mais nua e crua, sem medo de podar diante o ouvinte e se entrega de corpo e alma aos seus sentimentos mais profundos. "The Mirror of Narcissus" se porta como um clássico alfinete à uma criatura narcisista e egocêntrica na vida de Turner, e cumpre o seu papel dentro do projeto. A música é genialmente colocada para falar sobre alguém que ama tanto a si mesmo que acaba se tornando uma ação problemática quando pontua "Você se inclinou tanto que o lago tocou sua boca e bebeu de si mesmo como se fosse vinho", são versos que destacam a capacidade de Turner de entregar poesia. Chegando na reta final do álbum, "Die, My Love" é uma boa adição dentro do álbum e os versos de Alex Fleming são pontuais dentro da canção. "Gênesis" e "Requiem for Us" encerram o álbum de forma majestosa. "Gênesis" é incrivelmente bem elaborada, com um desfecho necessário para o álbum ao mostrar a versão mais vulnerável da cantora dentro do álbum ao desabafar de forma sincera tudo que está dentro da sua garganta durante sua vida em relação a sua mãe. Turner prova que nem sempre devemos romantizar a figura materna -- as vezes ela pode ser a sua ruína desde o momento em que você nasceu. Enquanto "Requiem for Us" é definitivamente um fim para o álbum, e não poderíamos encerra-lo de outra mentira. A música é uma obra prima lírica que mostra que Violet não só se coloca como uma das melhores compositoras da sua geração, mas também como uma artista que evoluiu simbolicamente desde "devil side". Visualmente, a estética do álbum é beneficiada por seu photoshoot teatral e melodramático, fazendo o álbum crescer a um nível sofisticado e elegante. Entretanto, sentimos que a produção visual poderia ser mais sofisticada para acompanhar o ensaio. O álbum poderia ser ainda mais grandioso se fosse mais refinado, e acaba perdendo um pouco do potencial que poderia ter alcançado caso tivesse sido trabalhado de forma mais atenciosa. Se a ideia foi ser mais minimalista e simples, é uma grande pena, pois o álbum carrega uma grande carga emotiva e sentimos a falta de algo que acompanhasse. Em uma forma geral, Violet Turner entregou sua alma de forma mais crua possível no "Kiss Me Untill i Bleed" e é possível que talvez o ouvinte esteja sendo constantemente beijado por Turner enquanto sente a sua alma sangrar levemente, pois é muito fácil se conectar com a sua dor descrita em cada música pela sua capacidade maestral de conduzir suas composições de uma forma que trace memórias em quem ouça. "Kiss Me Untill I Bleed" não só se coloca entre os melhores do ano, mas como um dos fortes candidatos para as premiações futuras caso não durmam em cima da grande evolução e no grande ato que o "Kiss Me Untill I Bleed" oferece para nós.

“Kiss Me Until I Bleed”, segundo álbum de estúdio de Violet Turner, chega com um equilíbrio raro entre rigor técnico e pura emoção, revelando uma compositora que sabe exatamente como transformar dor e desejo em arte. Tudo começa com “Intro (The Ocean at the End of the Lane)”, que define o clima com precisão cirúrgica: é a Violet mais exposta, fazendo um convite irrecusável para o mergulho emocional que dita o ritmo do disco. Logo em seguida, “Perfect Days” bate como aquela memória afetiva já desgastada pelo tempo, traduzindo a fragilidade de relações que sobrevivem mais de lembranças do que da realidade. Quando “All My Love Songs Will Burn” entra, Violet traz um momento de clareza cortante, um discurso direto que rompe a atmosfera densa criada até ali. A força narrativa do álbum brilha de verdade em “Highway 61”. A faixa trata a fuga e a infância com uma contundência que a torna um dos pontos altos da obra. E a energia muda logo depois com “Paris, Texas”: a colaboração com Danny Wolf brinca com a tensão e a fantasia, expandindo o universo sonoro de Violet e reforçando o lado performático do desejo. Já “Copycat Killer” mantém o eixo, explorando obsessão e identidade sem cair no exagero, servindo como a ponte perfeita para o que vem a seguir. Uma das grandes surpresas é “What If Our Romance Played on the Radio”, que amplia a ideia do amor como espetáculo público, recuperando temas lá do início. Mas é em “Juliet”, parceria com Stelar, que o disco entrega uma de suas composições mais impactantes: uma releitura amarga e corrosiva da tragédia romântica. O tom confessional se aprofunda em “Red Velvet Wine”, um retrato íntimo sobre vício, e em “The Mirror of Narcissus”, uma crítica afiada ao autoengano e às aparências. O contraste emocional ganha vida com “Die, My Love”, ao lado de Alex Fleming, que examina a dependência e a ruptura necessária, preparando terreno para o soco no estômago que é “Genesis”. Esta faixa talvez seja o momento mais cuidadoso do álbum, tocando em feridas da infância para explicar a origem dessa fome afetiva. Por fim, “Requiem for Us” amarra tudo com solidez, transformando a história do eu lírico em um epitáfio poderoso. “Kiss Me Until I Bleed” é coeso, direto e intencional. Não há dúvidas de que este trabalho é um testemunho da evolução de Violet Turner. A forma como ela costura metáforas e tensões cria uma experiência imersiva do início ao fim. É um álbum de uma artista que entende seu lugar e escolhe explorá-lo com intensidade, sem medo de abandonar sua zona de conforto.

Em Kiss Me Until I Bleed, segundo álbum da cantora e compositora Violet Turner, acompanhamos a artista mergulhar em um mar de intensidade e emoções cruas. Lançado oficialmente em 30 de outubro de 2025, o projeto reúne colaborações de peso, incluindo Alex Fleming, Danny Wolf e Stelar. O álbum se abre com “Intro (The Ocean at the End of the Lane)”, uma faixa nua, delicada e emocionalmente exposta que estabelece com precisão o tom da obra. O eu lírico demonstra dependência afetiva e uma espécie de endeusamento do outro — um convite eficaz ao universo sensível proposto por Violet. Em seguida, “Perfect Days” oferece um início morno: começa bem, mas se torna repetitiva e cansativa ao longo da primeira audição. Já “All My Love Songs Will Burn” se destaca pela combinação de discurso cru com toques levemente ácidos, apresentando uma faceta diferente dentro do projeto. “Highway 61” e “Paris, Texas (feat. Danny Wolf)” representam dois dos pontos altos do álbum: enquanto a primeira aposta em um tom confessional, a segunda é mais leve e divertida, beneficiada pela participação inspirada de Danny Wolf. Apesar de distintas, ambas complementam bem o percurso do disco. A sequência prossegue com “Copycat Killer”, uma boa faixa que, apesar de competente, não apresenta novidades marcantes. Já “What if our Romance Played on the Radio?” surge como uma surpresa extremamente eficaz, consolidando conceitos já sugeridos nas faixas iniciais. “Juliet”, em parceria com a cantora e compositora Stela, é outra grande adição: uma releitura amarga da narrativa shakespeariana, construída com uma das melhores letras do álbum. Aqui, o eu lírico expõe com precisão a amargura de ter sido enganado e abandonado. Em “Red Velvet Wine”, Violet entrega uma das melhores faixas do projeto. A canção funciona quase como um desabafo direto ao ouvinte, abordando o hábito de despejar emoções na bebida, com delicadeza e certa irreverência. Já “The Mirror of Narcissus” e “Die, My Love”, parceria com Alex Fleming, formam um duo interessante: canções opostas que, de certa forma, se complementam. Contudo, “Die, My Love” acaba enfraquecida por versos longos e cansativos — especialmente por vir logo após uma faixa tão sólida quanto “The Mirror of Narcissus”. Rumo ao encerramento, o álbum apresenta “Genesis”, uma das grandes surpresas da tracklist. Trata-se de uma reflexão sensível sobre a incapacidade de amar sem se despedaçar, revisitando momentos-chave das relações até culminar na morte do eu lírico. Por fim, “Requiem for Us” encerra o disco com força. Mórbida e envolvente, a faixa resgata o talento narrativo de Violet, que aqui atinge seu ápice, evocando elementos de composição típicos do universo country. Um encerramento poderoso. Com Kiss Me Until I Bleed, Violet Turner entrega um excelente passo à frente em sua discografia. O álbum é intenso, emocional e demonstra um notável amadurecimento lírico, ao mesmo tempo que permanece acessível e confortável para a artista. Nota: 85 Melhores faixas: “Highway 61”, “The Mirror of Narcissus”, “Genesis”, “Requiem for Us” Cortaria: “Perfect Days”, “Die, My Love”

Em seu segundo álbum de estúdio, Violet Turner dá um salto artístico notável, trocando o impulso cru do debut por uma abordagem mais meticulosa, quase devastadora. Suas letras, melodramáticas, densas e cirurgicamente impactantes, revelam uma artista em pleno domínio lírico. É uma obra que equilibra vulnerabilidade e controle, beleza e desespero, inserindo Violet no radar como uma das artistas mais sofisticadas e inquietas da atualidade. Logo na faixa de abertura, Turner não apenas nos introduz ao universo emocional do álbum, ela nos arrasta para dentro dele. “Intro (The Ocean at the End of the Lane)” é um monólogo afogado entre o sublime e o autodestrutivo. A letra é brutal em sua honestidade e cinematográfica em sua estrutura: há um oceano, há uma mulher, e há uma promessa de dor que se transforma em desejo. Turner faz da melancolia uma forma de devoção, e da dor, um lembrete de que ainda se está viva. A transição entre o tom contemplativo e a explosão carnal (“Beije-me até eu sangrar”) revela, sem espaço para dúvidas, o porquê do título do álbum. É o ponto em que vulnerabilidade e violência se tocam, e Violet transforma o amor em um experimento físico, quase sacrificial. Em “Perfect Days”, Violet adota um tom mais narrativo, descrevendo um relacionamento marcado por intensidade e desgaste. A letra alterna entre lembranças íntimas e imagens violentas, equilibrando vulnerabilidade e ironia. Quando ela canta “Você costumava me chamar de Katrina”, há tanto afeto quanto rancor, uma metáfora que resume o caos emocional da faixa. Os dias perfeitos do título soam mais como um engano juvenil do que uma promessa cumprida. Turner compõe com frieza e clareza sobre o fascínio do amor destrutivo, sem se vitimizar nem se vangloriar. É uma canção sobre perda, mas também sobre reconhecer o próprio papel no colapso. Em “All My Love Songs Will Burn”, Violet abandona a grandiosidade das duas primeiras faixas e entrega sua composição mais frágil, talvez até desconfortavelmente honesta. A letra gira em torno de uma sensação persistente de vazio, tratada sem glamour e sem autocomiseração. É direta e possivelmente uma das letras mais humanas do álbum. “Highway 61” é outra composição narrativa, seguindo um eu lírico que cresce entre violência doméstica, omissão e religiosidade distorcida. A primeira estrofe contrasta a inocência noturna: estrelas, livros, leite quente, com a presença silenciosa de um “diabo” que simboliza abuso familiar e até sexual. O refrão transforma a estrada em fuga e renascimento, uma liberdade amarga, mas ainda assim liberdade. A segunda parte traz imagens diretas do trauma, incluindo a fantasia de um fim rápido. Na ponte, referências ao blues e ao mito da Rota 61 dão peso histórico à fuga, sugerindo que essa estrada sempre carregou almas partidas. O outro encerra com um fatalismo cru: a ideia de que o dano de infância molda tudo, inclusive a sensação de que não há futuro além da própria autodestruição. Em “Paris, Texas”, faixa colaborativa trabalhada como lead single do álbum, Violet e Danny Wolf constroem um diálogo erótico que mistura cinema noir, fetiche e fantasia de poder sem qualquer sutileza. A letra alterna entre imagens decadentes e um erotismo explícito que funciona mais como performance do que confissão. O eu lírico de Violet aparece entregando-se ao papel de objeto, enquanto Danny assume o controle com ironia e autoconfiança. O refrão, repetido pelos dois, transforma a metáfora da “boneca sexual” num gesto teatral, quase exagerado de propósito. A ponte é o momento mais interessante: Violet cruza referências a Paris, Texas com submissão física, dando à faixa uma camada melancólica em meio ao hedonismo. No geral, é uma música provocativa, estilizada e consciente do próprio exagero, mais estética do que emocional. É uma reflexão sobre a intensidade de querer e ser querido até os limites do corpo. Em “Copycat Killer”, Violet Turner leva o conceito do álbum — a necessidade de ser amado e a impossibilidade de se preencher — ao extremo mais perturbado e teatral. A letra constrói uma narradora que oscila entre confissão e fantasia stalker, explorando desejo como compulsão química e identidade como algo copiável, moldável, quase consumível. Há imagens fortes (“o mapa do meu coração é seu, marcado em vermelho”) e outras que flertam com o grotesco pop (“sentir o gosto do Prozac no seu suor”), criando um híbrido entre obsessão adolescente e erotismo farmacológico. A música funciona como um delírio narrativo: exagerada, autoconsciente, às vezes propositalmente desconfortável e, dentro da lógica do álbum, reforça o retrato de personagens que confundem ser amadas com existir. “What If Our Romance Played on the Radio?” transforma a fantasia romântica em transmissão pública — como se a protagonista precisasse que o mundo inteiro ouvisse seu amor para que ele finalmente existisse. É uma carta aberta mascarada de love song, onde o romantismo vintage (“la vie en rose”, o rádio chiando, a lua como destino) contrasta com a dinâmica explícita de submissão, violência emocional e física. Violet escreve o próprio abuso como se fosse uma performance pop, perguntando o tempo inteiro se a validação externa poderia consertar o que está quebrado por dentro. O resultado é desconfortante, autoexposto, quase desesperado. Dentro do projeto, a música funciona como tese e síntese: amar, para essa narradora, é uma tentativa de preencher o silêncio interno com qualquer som, até mesmo o chiado de um rádio tentando pegar sinal. “Juliet” é a faixa onde Violet transforma a tragédia romântica em ritual de autodevoração. A música, que é uma colaboração com a estrela da música alternativa Stelar, expande o tema central do projeto: amor como fome, ausência e desespero, levando-o ao seu extremo teatral. O dueto funciona como duas versões da mesma ruína: Violet e Stelar encarnam amantes que confundem devoção com sacrifício, e amor como um ato de consumo. A estética católica, a iconografia de Shakespeare e o vocabulário de carne, vísceras e hóstia reforçam que, aqui, amar é se oferecer como corpo santo para alguém que nunca fica. “Me amando até os ossos, me odiando até fazer deles farinha” sintetiza esse processo em que desejo e violência se confundem até que a identidade do eu lírico se torne apenas resto, matéria-prima emocional para o outro. Dentro do álbum, “Juliet” marca o ponto em que o romance degrada para mito trágico: belo, doente, e faminto. “Red Velvet Wine” é o lamento etílico do álbum, onde o amor e o vazio se dissolvem em álcool. O eu lírico busca anestesia para a dor emocional, transformando cada taça em confissão e ritual de autopunição. O vinho vermelho funciona como metáfora dupla: sangue emocional e consolo ilusório, reforçando o tema central do disco. Entre lembranças amargas e porta-retratos riscados, a letra mostra que o desejo por conexão nunca é saciado, apenas intoxicado. É uma faixa introspectiva, melancólica e viscosa, que transforma vício, memória e perda em poesia líquida. “The Mirror of Narcissus” é o momento em que Violet transfere o foco do amor-vazio para o autoengano e a obsessão com a própria imagem. A letra constrói um retrato cruel de Narciso moderno, alguém que confunde reflexo com essência, enquanto o eu lírico assume o papel de corretor moral e destruidor do mito. Cada imagem: o lago, as flores, o ouro de Apolo, reforça a ideia de que beleza sem empatia ou vulnerabilidade é mortal e ilusória. O verso “Afrodite teria se envergonhado de ver o amor transformado em ornamento” funciona como uma condenação direta da superficialidade afetiva de Narciso. Violet aponta que a beleza e o desejo, quando divorciados de empatia ou vulnerabilidade, perdem toda sua sacralidade. É uma linha que reforça o contraste central do álbum: enquanto o eu lírico busca amor genuíno, preenchendo o vazio emocional, Narciso se contenta com reflexos e aparências, tornando-se uma parábola do egoísmo que Violet denuncia poeticamente. “Die, My Love”, funciona como um exorcismo mútuo: Fleming abre com vulnerabilidade corrosiva, tratando o amor como dependência química, enquanto Violet responde com uma fúria cansada, típica de alguém que já atravessou todos os estágios do luto emocional. O refrão, com sua carta declarada (“Morra, meu amor”), não é literal: é a morte simbólica do vínculo que sustentava o vazio. A ponte de Violet, incendiária e catártica, reforça que o eu lírico não quer vingança, quer finalmente existir sem o peso do outro. Dentro do álbum, a faixa é o ponto onde a busca pelo preenchimento vira ruptura inevitável; onde o amor deixa de ser necessidade e passa a ser sepultado para que algo sobreviva. “Genesis” é a faixa que mergulha na origem do vazio afetivo, explorando como a fome de amor começa ainda na infância e molda toda a experiência amorosa subsequente. Violet utiliza a metáfora do “pacto de leite” para retratar a ligação primordial entre dependência e cuidado, sugerindo que a ausência dessa segurança cria feridas que nenhum abraço futuro consegue curar. O refrão — o desejo de se refugiar no colo do outro e “aprender o amor como quem aprende a andar” — reforça a ideia de que o eu lírico busca reconstruir-se a partir do começo, mas se depara com o fracasso inevitável de qualquer amor que toca, que “pulveriza antes de nascer”. A ponte amplifica a introspecção, questionando quando exatamente a confiança e a inocência foram quebradas, transformando a perda do primeiro amor ou cuidado em um eco que reverbera por toda a vida. Dentro do álbum, “Genesis” funciona como a raiz do ciclo emocional que permeia cada faixa: a necessidade de ser amado, a frustração de não encontrar completude, e a solidão que nasce da desconexão entre o desejo de entrega e a realidade da ausência afetiva. “Requiem for Us” é o epílogo emocional do álbum: um funeral do amor, do corpo e da memória. A canção transforma uma vida inteira compartilhada em um lamento pós-morte, onde a narradora revisita o amor não como consolo, mas como desgaste: um relacionamento que sobreviveu às mudanças geográficas, ao tédio da rotina, ao embrutecimento dos anos e, por fim, à morte física. O amor aqui não salva: ele apodrece junto com a casa, com os corpos, com as lembranças. A imagem da árvore plantada no “começo do fim” sintetiza a narrativa, algo que cresce enquanto tudo ao redor decai, uma memória que resiste apenas como fantasma. O refrão martela o destino inevitável: virar terra, virar verme, virar ausência e deixar os filhos sozinhos diante da constatação cruel de que nem o amor mais devoto escapa do esquecimento. No contexto do álbum, “Requiem for Us” funciona como o reconhecimento de que a fome de amor jamais foi saciada; o amor, mesmo quando existiu, não impediu a sensação de vazio. É uma música que aceita o colapso e encerra a obra com uma verdade brutal: no fim, até o amor vira pó, e ainda assim tentamos segurá-lo. Violet Turner explora o vazio emocional, a necessidade desesperada de ser amado e o efeito corrosivo que isso tem sobre o corpo, a mente e a memória. Cada faixa constrói uma narrativa de aproximação e destruição: do romantismo quase infantil de Perfect Days, passando pelo canibalismo metafórico de Juliet, até o reconhecimento final da mortalidade e do esquecimento em Requiem for Us. Violet, ora delicada, ora feroz, caminha por entre metáforas de sangue, vinho e corpos, sempre sublinhando a tensão entre entrega total e autopreservação. Colaborações estratégicas, como em Paris, Texas e Die My Love, acrescentam camadas de diálogo e confrontos de poder, reforçando o tema central: o amor nunca é simples, e a solidão é inseparável dele. A produção da talentosa Outtathisworld, complementa toda a grandiosidade do álbum, mesclando uma bela estética ao conceito geral do disco. A tipografia é cuidadosamente escolhida para replicar o estilo de créditos de filmes antigos e embalagens vintage, fazendo uma clara homenagem ao cinema noir e ao melodrama pulp. Em última análise, “Kiss Me Until I Bleed” não é apenas sobre romance ou desejo; é um estudo sobre como buscamos preencher o vazio com outra pessoa, sabendo que o amor nunca será suficiente, mas ainda assim nos movendo em direção a ele, com feridas abertas e uma intensidade que queima. É um álbum sobre a fome, a perda e a inevitável cicatriz emocional que cada relação deixa: brutal, honesto e inquietantemente belo.